Jan Fabre (1958, Anversa) – performer, disegnatore, scultore, autore e creatore teatrale – è una delle figure più affascinanti, complete e complesse della ricerca artistica contemporanea. A partire dagli anni Settanta, ancora studente, prima presso l’Istituto di Arti Decorative e Belle Arti e poi presso l’Accademia di Belle Arti di Anversa, intraprende un percorso di ricerca interdisciplinare dedicato all’esplorazione delle modalità più idonee per raggiungere, attraverso tecniche, materiali e linguaggi in costante evoluzione e mutamento, il dominio del corpo umano e delle sue manifestazioni. Sapiente utilizzatore anche delle potenzialità del teatro, attraverso le pratiche della narrazione e della messa in scena Fabre esplora la vita umana e le sue multiformi espressioni, combinando elementi come la danza, la musica, l’opera, la performance e l’improvvisazione in un dialogo incessante tra il pubblico e se stesso.
Nel 1984, con l’invito a realizzare uno spettacolo per la Biennale di Venezia intitolato The Power of Theatrical Madness (maratona caratterizzata dalla contaminazione dei linguaggi visivi e performativi della durata di 4 ore e 20 minuti), la sua pratica improntata sull’idea di metamorfosi dell’esistente si impone a livello internazionale. Il rapporto con il corpo, che emerge dalle sue performance, è indissolubilmente connesso all’interesse per altre discipline e forme di conoscenza, a partire dall’idea di mutamento e interazione tra elementi percettivi sia del mondo sensoriale che di quello spirituale. Fabre permette così alla filosofia, alla religione e alla scienza di penetrare le sue opere in cui incorpora e trascende, con un approccio contemporaneo, temi e concetti della tradizione fiamminga: il riferimento a artisti quali Hieronymus Bosch, Jan Van Eyck, Pieter Bruegel si rigenera quindi attraverso una pratica dedicata alla celebrazione della fragilità e al contempo della solidità della bellezza dell’uomo e del mondo, nei suoi processi interconnessi. L’artista stesso afferma: “Tutti possono essere modellati, curvati e formati con un sorprendente grado di libertà”. In tale contesto si colloca anche la sua produzione scultorea, in cui la proposizione di gesti comuni e azioni prive di plasticità si configura in monumentali calchi corporali in cui l’artista ritrae se stesso.
Tra le mostre personali dell’artista figurano Homo Faber (KMSKA, Anversa, 2006), From the Cellar to the Attic – From the Feet to the Brain (Kunsthaus Bregenz, 2008; Arsenale Novissimo, Venezia, 2009), PIETAS (Nuova Scuola Grande di Santa Maria della Misericordia, Venezia, 2011; Parkloods Park Spoor Noord, Anversa, 2012), Hortus/Corpus (Kröller-Müller Museum, Otterlo, 2011), Stigmata, azioni e performance, 1976-2013 (MAXXI, Roma, 2013; MUHKA, Anversa, 2015; MAC, Lione, 2016). Fabre è stato inoltre il primo artista vivente a presentare un’estesa mostra personale al Louvre di Parigi (L’ange de la métamorphose, 2008). La serie The Hour Blue (1977 – 1992) è stata esposta al Kunsthistorisches Museum di Vienna (2011), al Musée d’Art Moderne di Saint-Etienne (2012) e al Museo d’Arte di Busan (2013). Le due serie di mosaici realizzati con le elitre dello scarabeo gioiello, Tribute to Hieronymus Bosch in Congo (2011-2013) e Tribute to Belgian Congo (2010-2013), sono state presentate al Pinchuk Art Centre di Kiev e al Palais des Beaux-Arts di Lille (2013), oltre che a ‘s-Hertogenbosch (2016) per la celebrazione del 500° anniversario di Hieronymus Bosch, anno in cui Fabre presenta l’imponente mostra personale Knight of despair/Warrior of beauty all’Hermitage di San Pietroburgo. Nel 2016 inaugura anche la mostra Jan Fabre. Spiritual Guards, presso Forte Belvedere, Piazza della Signoria e Palazzo Vecchio a Firenze, mentre nel 2017 inaugura Jan Fabre. Glass And Bone Sculptures 1977-2017, retrospettiva dedicata ai lavori in ossa e vetro, presso L’Abbazia di San Gregorio a Venezia.
Una galleria di personaggi-autoritratto a grandezza naturale fu esposta a Napoli, in Piazza Plebiscito, nel 2008, nell’ambito del progetto espositivo Il ragazzo con la luna e le stelle sulla testa, a cura di Eduardo Cicelyn e Mario Codognato. Come scrivevano i curatori: “Fabre presenta cinque sue famose sculture in bronzo che sono collocate all’interno dell’emiciclo della piazza, in uno dei terrazzi di Palazzo Reale e nel colonnato della chiesa di San Francesco di Paola. Ogni scultura-personaggio interpreta un ruolo in relazione all’immaginario della città”. Tra questa sculture-personaggio figuravano: L’uomo che accende il fuoco (1999), L’uomo che misura le nuvole (1998), L’uomo che piange e ride (2005), L’astronauta che dirige il mare (2006) e L’uomo che scrive sull’acqua (2006).
L’uomo che misura le nuvole (1998) viene riallestita sulla terrazza del museo Madre, a cura di Laura Trisorio, Melania Rossi e Andrea Viliani nell’ambito del progetto Per_formare una collezione, e presentata contestualmente al progetto Incontri sensibili al Museo di Capodimonte, a cura di Sylvain Bellenger e Laura Trisorio. L’opera è ispirata dall’affermazione che l’ornitologo Robert Stroud pronunciò nel momento della liberazione dalla prigione di Alcatraz, quando dichiarò che si sarebbe d’ora in poi dedicato appunto a “misurare le nuvole”. Oltre alla citazione, che colloca l’opera in un ambito storico e scientifico definito, in questo caso l’utilizzo dell’autoritratto ha un ulteriore riferimento di matrice biografica, in quanto l’opera è un omaggio al fratello minore dell’artista, sognatore deceduto prematuramente. La messa in scena di un’assenza memoriale che si impone come presenza scultorea diventa il doppio metaforico di entrambe le personalità rappresentate, la cui unione genera un’energia inter-individuale che diviene movimento vitale, pur nella staticità della forma scultorea. Esprimendo inoltre la sensazione di pianificare l’impossibile (appunto il tentativo di misurare un’entità mutevole e incostante come le nuvole), Fabre riflette sullo statuto stesso della ricerca dell’artista, assimilata alla pretesa dello scienziato di travalicare il limite umano della conoscenza. Come artista e ricercatore Fabre tenta costantemente, in effetti, di “misurare le nuvole”, ammettendo e dichiarando con la sua opera che la tensione verso il sapere ha limiti invalicabili che, però, è possibile accostare e affrontare proprio attraverso la sperimentazione, in cui esprimere l’inesprimibile senza tradirne, come l’artista stesso dichiara, l’intrinseca e fondativa bellezza umana e universale.
[Anna Cuomo]
